Children Who Chase Lost Voices from Deep Below

Asuna consacre une bonne partie de sa solitude à écouter l’étrange musique du cristal qu’elle reçut de son père avant sa mort. Un jour, un mystérieux garçon, Shun, vient à son secours alors qu’elle est attaquée par une bête à l’allure d’ours et les deux jeunes gens sympathisent jusqu’à ce que Shun disparaisse soudain. En voulant le retrouver, Asuna finit par rencontrer Shin, le frère cadet de Shun, grâce auquel elle entrera dans le mystérieux monde souterrain d’Agartha où, dit-on, se trouve un moyen de ressusciter les morts…

Si le choix de la fantasy étonne dans un premier temps de la part de ce réalisateur qui a surtout fait de la science-fiction jusque-là, il faut préciser qu’on y trouve très peu de scènes d’action et encore moins d’intrigues de cour, pas plus que de romance historique : Makoto Shinkai se place plutôt dans le sillage de Studio Ghibli pour nous présenter sa propre vision du mythe d’Orphée, et les divers éléments qui évoquent les poncifs de la fantasy bas de gamme servent en réalité à faire vraiment avancer le scénario au lieu de le remplir – les scènes d’action, ici, somme toute aussi sporadiques que courtes, ne phagocytent pas le récit qui, lui, ne se résume pas à une autre sempiternelle lutte du bien contre le mal.

Sur le plan des idées, par contre, Children Who Chase Lost Voices From Deep Below se montre hélas un peu plus commun, pour ne pas dire assez banal. On apprécie néanmoins de voir les thèmes chers au réalisateur – peur de la solitude, perte de l’être aimé,… – présentés ici d’une manière inattendue et dans un décorum qui en laissera plus d’un pantois. De même, on se réjouit que le scénario ne cède pas aux codes des blockbusters mais au contraire n’hésite pas à supprimer des personnages auxquels on a pu s’attacher – c’est avant tout une histoire de mort…

Surprenant sous bien des aspects, réalisé d’une main de maître, Children… vaut donc très largement le coup d’œil, mais de préférence sur grand écran : je vois mal, en effet, comment rendre autrement justice aux vastes tableaux qu’il présente.

Note :

Bien qu’indisponible en France à l’heure actuelle, ce film doit néanmoins sortir en DVD chez Kaze au mois de juillet 2012, sous le titre de Voyage vers Agartha.

Children Who Chase Lost Voices from Deep Below (Hoshi o Ou Kodomo)
Makoto Shinkai, 2011
116 minutes

- le site officiel du film (jp)
- d’autres avis : L’Antre de la Fangirl, La Clinique du Docteur Nock

Heavy Gear

Terra Nova, jadis la fierté des colonies de la Terre Unifiée, se trouva soudain livrée à elle-même quand une récession économique sans précédent frappa la planète-mère et la força à abandonner ses mondes colonisés. L’effondrement du système vit l’émergence de nouveaux véhicules de combat, les Heavy Gears, qui devinrent vite un élément-clé de chacune des deux factions majeures de Terra Nova : les Cités-États Confédérées du Nord et les Territoires Alliés du Sud, tous deux fondés dans le chaos et le sang.

Séparés par une vaste bande de terre et de sable qui s’étend le long d’un équateur surchauffé, un désert aride appelé « badlands » et où croupissent les réprouvés, les criminels et les fous, ces deux blocs se livrent à présent une guerre sans merci pour la domination de Terra Nova.

Une caractéristique essentielle distingue Heavy Gear des autres productions du type jeu de rôle sur table : ce titre ne se contente pas de proposer un univers dans lequel les joueurs pourront faire vivre des aventures à leurs personnages, mais il narre bel et bien un récit ; encore que je devrais plutôt dire qu’il donne aux joueurs la possibilité d’écrire divers paragraphes de ce chapitre de l’histoire du futur (1) que présente ce jeu, ce qui reste assez différent. En effet, il va assez de soi qu’aux deux factions présentées dans le synopsis ci-dessus va bientôt s’en ajouter une troisième, mais comme un moyen de faire avancer la narration évoquée, et non juste pour enrichir l’univers à travers l’édition de suppléments.

Pour cette raison, chaque volume de cette série présente sur son quatrième de couverture une date écrite en vert dans un cadre rouge, ce qui permet de situer un ouvrage en particulier dans la chronologie de la narration – faute d’un meilleur terme. Quant au contenu de chacun de ces livres, il fournit ici et là des indications précises comme de simples indices sur l’évolution de cet univers tout au long du déroulement des événements. Heavy Gear permet donc aux joueurs de participer, au moins indirectement, à cette aventure au départ conçue pour s’écouler sur une trentaine d’années environ dans l’univers du jeu. Ce qui correspond assez bien à cette idée typique de la science-fiction comme quoi demain ne sera pas la même chose qu’aujourd’hui…

Aussi Heavy Gear se veut réaliste dans son approche de la création d’univers de jeu de rôle, ce dont on s’étonne peu de la part des canadiens de Dream Pod 9 qui fondèrent jadis le magazine Mecha Press, publication dédiée au genre mecha en général et notamment son « école réaliste » : Heavy Gear présente donc une grande exigence de crédibilité dans ses aspects narratifs comme techno-scientifiques. Ainsi, mis à part le concept des Portes de Tannhäuser qu’utilisèrent jadis les humains pour coloniser des planètes situées au-delà du système solaire, tout ou presque dans Heavy Gear se montre assez familier – même les mechas, qui ici ne mesurent que quelques mètres de haut au lieu de 20 et se pilotent à l’aide d’un casque à réalité virtuelle (2).

Mais on y trouve aussi des résurgences de la conquête de l’Ouest, élément somme toute assez caractéristique du space opera américain, avec cette omniprésence du sable et du désert mais aussi ces colons coupés de l’ancien monde de leurs ancêtres – sauf qu’il s’agit ici d’un océan d’étoiles au lieu d’eau. Sur le monde de Terra Nova règnent la débrouille et le recyclage permanent : on y cache la rouille sous une simple couche de peinture et on répare les engins de haute technologie avec de la ficelle et du chewing-gum. Escrocs et arnaqueurs de tous poil pullulent entre les trafiquants à la petite semaine et les mercenaires de haut vol. Et la violence, pas toujours larvée, se tapit dans les moindres ombres avant de bondir sur sa proie.

Le futur de Heavy Gear ne scintille pas, donc, bien au contraire. C’est un monde de réprouvés, d’abandonnés à leur sort, de survivants d’une guerre civile qui s’est éternisée trop longtemps avant d’accoucher d’un nouvel échiquier politique planétaire tout juste bon à déboucher sur un autre conflit, tout aussi sanglant. Sur Terra Nova, le répit ne dure jamais longtemps… Alors, comme la nécessité rend ingénieux, on s’adapte pour disparaître le plus tard possible, en apprenant de tout et de rien. Voilà pourquoi vous ne trouverez pas de classes de personnage à proprement parler, mais juste des attributs à combiner à des niveaux de talents pour obtenir des modificateurs à vos jets de dés – un peu comme dans Cyberpunk 2020 (R. Talsorian Games ; 1990).

De la même manière qu’Interlock, le système de règles Silhouette de Dream Pod 9 se veut donc aussi rapide que réaliste (3). Et pour cause, lui aussi un héritier de Battletech (FASA Corporation ; 1984) et de son jeu de rôle Technoguerriers (Mechwarrior ; même éditeur, 1986), il permet de résoudre les combats à travers un jeu de guerre sur plateau – ou plutôt, pour me montrer plus précis, une carte à hexagones… Silhouette s’affirme donc comme un système de gestion des actions simple et bref mais aussi précis pour déterminer un vainqueur entre plusieurs prétendants, à travers un ensemble de règles qui convient aussi bien aux aficionados de wargames qu’aux rôlistes – mais au détriment de la précision puisque on ne peut tout avoir…

Enfin, et comme il se doit dans nombre de jeux de ce type mettant en scène des mechas, comme ceux déjà cités ici, Heavy Gear permet aussi de construire ses propres véhicules, mais à travers une méthode un peu particulière. La première des 16 étapes de construction qu’il présente, en effet, consiste à choisir le nombre de personnes servant d’équipage au véhicule – au lieu de partir de son poids comme c’est le cas le plus souvent. Ensuite, une calculatrice s’avère nécessaire car les calculs requis utilisent des puissances – de deux et de trois – et des racines carrées. C’est le prix du réalisme dont se réclame cette licence, qui s’exprime donc ici jusque dans la conception des mechas – au sens le plus large du terme : ceux à forme humaine et les autres.

Si on juge la popularité d’un jeu de rôle au nombre de ses suppléments, alors Heavy Gear compte parmi les réussites du domaine puisqu’on compte à ce jour plus de 100 livres et accessoires de jeu participant tous à décrire un univers devenu à ce jour extrêmement détaillé : il vous sera donc difficile de ne pas pouvoir mettre la main sur ce qu’il vous faut pour votre campagne, aussi originale et éloignée des sentiers battus qu’elle se trouve. Et peut-être même trouverez-vous bien plus…

(1) dans le vocable de la science-fiction, ce terme désigne une suite de récits qui dépeignent un avenir en évolution et dont chaque histoire permet d’en explorer un segment ; beaucoup d’écrivains de science-fiction ont produit des séries de ce type, tels qu’Isaac Asimov (1920-1992), Arthur C. Clarke (1917-2008) ou Robert A. Heinlein (1907-1988), pour citer les plus connus. ↩

(2) l’inspiration, ici, semble tirée en droite ligne de la série TV Armored Trooper Votoms (1983) de Ryosuke Takahashi auquel l’« école réaliste » du genre mecha doit ses œuvres les plus marquantes, comme Dougram (1981), Gasaraki (1998) ou Flag (2006), parmi d’autres… ↩

(3) on peut rappeler que Dream Pod 9 produisit avant Heavy Gear un univers, Jovian Chronicles, pour le Mekton II de R. Talsorian Games, ce qui permet de penser qu’ils étaient pour le moins familiers du système Interlock. ↩

Adaptations :

La popularité de Heavy Gear se mesure aussi à son succès en dehors des cercles des jeux de rôle. Ainsi, les jeux vidéo Heavy Gear et Heavy Gear II, publiés respectivement en 1997 et 1999 par Activision, qui venait de perdre les droits de la franchise Mechwarrior, connurent-ils chacun un franc succès – au point d’ailleurs que nombre de publications spécialisés taxèrent le second volet de meilleur titre du genre à l’époque.

Une série TV d’animation en 3D de pas moins de 40 épisodes se vit aussi tirée de Heavy Gear, mais sur laquelle Dream Pod 9 eut très peu d’influence, et qui de plus ciblait un public assez jeune. Les éléments mûrs tels que guerre et géopolitique y sont absents, au profit d’un tournoi de combats d’arène assez répétitif.

Heavy Gear
Dream Pod 9, 1995
258 pages, env. 30 € (import)

- HeavyGear-France
- le site officiel de Heavy Gear
- le site officiel de Dream Pod 9

Singularity 7

Venus d’on ne sait où, les nanites arrivèrent sur Terre dans une météorite et investirent le premier hôte qu’ils trouvèrent. Celui-ci, désormais nanti du pouvoir de manipuler la matière, se prit pour Dieu et changea le monde. Mais il en fit un enfer pour les humains, qui moururent par millions avant de pouvoir enfin se réfugier dans des abris souterrains. Coupés de la surface depuis des décennies, ils ignorent ce que le monde est devenu, et ceux qu’ils envoient tuer le faux dieu auront bien du mal à se frayer un chemin jusqu’à lui…

La science-fiction ne compte plus ses récits de fin du monde comme elle ne compte plus les moyens par lesquels elle met fin à ce monde : apocalypse nucléaire, épuisement du pétrole, guerre bactériologique ou chimique, détérioration définitive de l’écosystème,… Parmi ces moyens, on trouve aussi les nanomachines devenues folles et ce, depuis l’invention même du concept au milieu des années 80 : K. Eric Drexler lui-même, dans son livre Engins de Création (1986), la bible des nanotechnologies, décrivait déjà une fin du monde possible à travers l’hypothèse de la « gelée grise » – des nanomachines hors de contrôle dévastent tout l’environnement en s’en servant de matière première pour créer peu à peu une infinité d’autres nanomachines.

Le scénario que nous propose Ben Templesmith dans Singularity 7, sa toute première production en solo, s’écarte beaucoup de celui de Drexler. Sous bien des aspects, d’ailleurs, il emprunte davantage à celui, bien plus classique, de l’invasion extraterrestre – encore que « invasion » n’est pas forcément le terme qui convient : impossible de me montrer plus précis sans spolier (1)… Mais aussi, chose assez inhabituelle dans un récit post-apocalyptique, il se réclame d’une sorte de cyberpunk – encore qu’il semble plus juste de parler de transhumanisme : je pense à ces personnages rendus surhumains par leur symbiose avec des nanomachines. Dernière particularité, et pas des moindres, on y trouve beaucoup d’humour – bien noir de préférence évidemment.

Le tout servi par un trait qui témoigne d’une maîtrise tout à fait exceptionnelle des techniques artistiques tant traditionnelles qu’informatiques et qui reflète un sens de l’expression par la caricature que ne renierait pas Bill Sienkiewicz ; ou bien l’Olivier Ledroit d’une certaine époque pour la spontanéité du geste, voire peut-être même Simon Bisley ici et là. N’en jetons plus.

Reste les idées, ou plutôt leur absence : si Singularity 7 n’invente rien, il présente malgré tout un récit épique et à la conclusion pour le moins haute en couleurs. Bref, une lecture tout à fait recommandable.

(1) en français dans le texte. ↩

Note :

Cette chronique concerne l’édition originale de Singularity 7 publiée en fascicules de juillet à octobre 2004. L’édition en album de cette mini-série est enrichie d’une introduction par le chanteur Burton C. Bell du groupe de rock américain Fear Factory.

Singularity 7, Ben Templesmith, 2004
IDW Publishing, septembre 2010
104 pages, pas d’édition française à ce jour

- le site officiel de Ben Templesmith
- le blog de Ben Templesmith
- l’avis d’Onirique Comics