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Chasseur de héros – Marshal Law, tome 1er

Couverture du premier tome de l'édition française du comics Marshal LawUn futur proche. Dans les rues de San Futuro, qu’on appelait San Francisco avant qu’un séisme la dévaste, errent des gangs de super héros. En fait d’anciens soldats génoboostés, ce sont des vétérans de la Zone, où les États-Unis menèrent jadis une guerre sans merci aux groupes communistes qui menaçaient de s’emparer de l’Amérique Centrale. Rendus fous par ces combats mais aussi par les pouvoirs surhumains dont l’armée les affubla, ces combattants s’avérèrent incapables de se réintégrer à la vie civile une fois de retour au pays.

Marshal Law compte lui aussi parmi ces rescapés, mais à la différence de ses semblables lâchés dans les rues il œuvre pour préserver la paix civile, quitte à faire le ménage par le vide à l’occasion. Depuis peu, toutefois, un mystérieux tueur volant appelé le Marchand de Sable s’en prend à des femmes qui revêtent le costume de Céleste, super héroïne de renom et compagne du héros national adoré de tous : Super Patriote lui-même. D’ailleurs, l’enquête de Marshal l’amène vite à soupçonner ce dernier, ce qui lui va très bien puisqu’il n’a jamais pu le supporter…

Quoi de mieux en effet pour un chasseur de héros que l’occasion d’épingler le meilleur d’entre eux ? Ou supposé tel…

Planche intérieure du premier tome de l'édition française du comics Marshal LawOn appelle souvent « Dark Age » ou encore « Modern Age » du domaine super-héros cette période du genre qui se caractérise sur le plan narratif par des récits sombres et des personnages plus complexes que d’accoutumée. À y regarder de près, pourtant, cette évolution s’affirme surtout comme la déconstruction de cette branche du comic book. Se trouvent le plus souvent considérées comme œuvres pionnières de ce mouvement les célèbres Watchmen (Alan Moore & Dave Gibbons ; 1986) et Batman: The Dark Knight Returns (Frank Miller ; même année) : si les auteurs du premier, dit-on, souhaitaient faire entrer les super-héros dans le registre du réel, mais en démontrant par là même que de tels personnages ne peuvent en fin de compte avoir aucune influence véritable sur la réalité, de telle sorte que le qualificatif de « héros » et encore plus celui de « super-héros » ne leur convient donc pas du tout, le créateur du second titre, lui, affirmait haut et fort que seule la folie pouvait mener un homme à se déguiser pour aller tabasser des criminels et que pour cette raison parmi d’autres la notion même de vigilant était devenue à l’époque aussi anachronique que celle des légendes des chevaliers d’antan qui l’avait peut-être inspirée.

Planche intérieure du premier tome de l'édition française du comics Marshal LawCe développement du genre se poursuivit à travers des productions comme Rising Stars (scénarisée par Joe Michael Straczynski ; 1999-2005), The Authority (Warren Ellis & Bryan Hitch ; 1999-présent) ou Kingdom Come (Mark Waid & Alex Ross ; 1996), parmi d’autres, en illustrant au passage le triomphe de l’hypercapitalisme ultralibéral, d’abord sous la présidence de Ronald Reagan (1911-2004) au cours des années 80, puis après la chute du bloc communiste dans la décennie suivante. On peut en effet souligner que le super héros reste une itération du surhomme et s’affirme donc, en raison même de ses capacités surhumaines qui le placent au-dessus du commun des mortels, comme une contestation de cette doctrine libérale qui exige que les chances soient les mêmes pour tous (1) ; rappelons que Superman, le tout premier super héros de l’histoire du comic book, fut créé par Jerry Siegel (1914-1996) et Joe Shuster (1914-1992) en 1932 avant de connaître sa première publication en 1938, soit lors de cette Grande Dépression qui resta longtemps la plus grande crise du libéralisme. Le « Dark Age », par contre, s’affirme comme l’exact opposé de cette période, d’où une des raisons possibles derrière le déclin des super héros dans le cœur des lecteurs : ces chevaliers de pacotille, en fait, avaient bel et bien échoué à sauver le monde de ses pires prédateurs…

Planche intérieure du premier tome de l'édition française du comics Marshal LawAinsi, Marshal Law s’affirme-t-il avant tout, et dans la droite lignée des œuvres fondatrices du « Modern Age » déjà citées, comme une satire d’une certaine Amérique dont les dérives « va-t-en guerre » ainsi que les replis sur les valeurs religieuses et/ou consuméristes ne servent en fait qu’à cacher l’effondrement de ce rêve américain qui, bien évidemment, ne pouvait résister à l’épreuve de la réalité. D’ailleurs, le symbolisme du personnage de Super Patriote, incontestable caricature de Superman, ne laisse ici aucun doute : super héros issu de manipulations génétiques et resté jeune uniquement en raison d’un long voyage dans l’espace à des vitesses relativistes (2), il ne se distingue du commun des mortels qu’à travers ces artificialités que constituent ses super pouvoirs et autres capacités surhumaines mais sans les compléter par aucune des qualités véritables, celles du cœur et de la compassion, qui caractérisent le vrai héros, celui-ci semblant destiné à demeurer une légende – et pour cause : il paraît bien trop beau pour être vrai… Quant à Marshal Law lui-même, son nom est un jeu de mot évident avec « martial law » qu’on peut traduire par « loi martiale » ce qui en dit bien assez long sur le personnage ; pourtant, et en dépit de son costume tout bardé de signes de force et d’autorité, il reste peut-être encore le moins atteint des deux.

Planche intérieure du premier tome de l'édition française du comics Marshal LawPour toutes ces raisons, Pat Mills et Kevin O’Neill n’y vont pas par quatre chemins dans la violence tant graphique que morale. Si le premier nous présente un scénario mené tambour battant mais où le lecteur se verra néanmoins bien inspiré de prêter une attention particulière au verbe utilisé tout le long du récit afin d’en cerner toutes les nuances, le second témoigne ici d’une évolution très nette de son art qui donne l’impression de s’aventurer du côté des exagérations à tendance caricature satiriste que ne renierait pas un Bill Sienkiewicz, et surtout pas quand ce dernier travaille avec un certain Frank Miller… Bien sûr, ce premier tome se montre encore assez timide sur les principales qualités de cette série à bien des égards exceptionnelle et se cantonne dans les grandes lignes à une présentation de son univers déjanté, pour dire le moins, et de ses personnages tout autant dérangés en posant les bases de son intrigue elle aussi à la hauteur des deux autres ingrédients : nous aurons l’occasion de voir dans les chroniques des prochains volumes de quelle manière ce cocktail murira peu à peu jusqu’à atteindre le stade de l’explosif.

Avec son ambiance de folie furieuse qui épingle brillamment les dérives d’une certaine Amérique dont les excès perdurent encore, Marshal Law reste à ce jour un des plus brillants exemples de ce que les comics de super héros peuvent offrir à des lecteurs exigeants. L’a d’ailleurs prouvé le succès que connut son protagoniste principal tout au long des années 90, à travers une dizaine de récits inscrits à la suite de celui-ci.

Planche intérieure du premier tome de l'édition française du comics Marshal Law

(1) Gérard Klein, « Surhommes et Mutants », préface à Histoires de mutants (Le Livre de Poche, collection La Grande anthologie de la science-fiction n° 3766, 1974, ISBN : 2-253-00063-9) ; lire ce texte en ligne.

(2) pour un exemple explicité de ce processus, voir le paradoxe des jumeaux, ou paradoxe de Langevin.

Note :

Si les volumes de l’édition française de cette courte série peuvent s’avérer assez difficiles à trouver, du moins à un prix raisonnable, une réédition complète des récits mettant en scène le personnage de Marshal Law doit paraître le 30 avril prochain sous le titre de Marshal Law: The Deluxe Edition (DC Comics, 480 pages, ISBN : 978-1-401-23855-1).

Chroniques de la série Marshal Law :

1. Chasseur de héros (le présent billet)
2. Bactérie
3. Spirit of América

Marshal Law, t.1 : Chasseur de héros, Pat Mills & Kevin O’Neill, 1987
Zenda, septembre 1989
58 pages, env. 15 € (occasions seulement)

Le Testament de Cromwell Stone

Couverture de la BD Le Testament de Cromwell StoneMarlène, la jeune « veuve » de Phil Parthington, part en Écosse pour mener à bien la mission que lui a confié Cromwell Stone. Mais son avion subit l’attaque d’une entité mystérieuse et s’écrase dans les landes. Seule survivante, Marlène s’éveille dans la maison d’un couple âgé qui l’a tirée des décombres. Pourtant, s’ils semblent cacher un lourd secret, rien ne paraît rivaliser avec celui de Marlène que des visions de temps jadis assaillent soudain. Que sait-elle vraiment sur son propre compte au juste ?

C’est un dieu qui parle cette fois en début de volume. Non un de ces « petits dieux » comme celui échoué sur Terre et que Cromwell Stone s’évertua à renvoyer chez lui, parmi les étoiles, mais bel et bien celui unique et universel qui créa ce temps et cet espace au moins. Pour le lecteur, l’indice se montre aussi précieux que les citations sur lesquelles s’ouvraient les tomes précédents de la série : en utilisant un protagoniste aussi absolu, définitif, totalisateur, Andreas nous indique le plus clairement possible qu’il clôt son ouvrage – comment, en effet, et à moins d’utiliser le subterfuge d’univers parallèles ou bien de réalités supérieures à la nôtre et dans lesquelles celle-ci se trouverait contenue, pourrait-il trouver un auteur plus extraordinaire encore, à travers lequel poursuivre son récit ?

Planche intérieure de la BD Le Testament de Cromwell Stone De plus, c’est aussi un excellent moyen de dépasser la fausse problématique de la dualité des genres. Ici, il importe peu que l’histoire appartienne à la science-fiction ou au fantastique, voire même aux deux à la fois, car ce conte ne demande plus d’étiquette puisqu’il se suffit à lui-même. Dans ce sens au moins, le volume se situe dans la continuité du précédent qui, déjà, laissait une part belle à la dimension humaine. Cette histoire se place sous le sceau de la perte, de l’absence, de la culpabilité pour toutes ces questions qu’on n’a pas su poser et dont les réponses multiples nous hantent, surtout les plus froides et les plus tranchantes. À sa manière, Marlène prendra la forme d’une autre réponse, mais la meilleure que pouvaient espérer les deux vieillards qui la recueillirent. Au fond, ce récit reste avant tout le leur…

L’évolution se constate aussi sur le plan artistique où les techniques employées jusqu’ici de l’encre noire et de la carte à gratter s’enrichissent d’une utilisation toute aussi experte du crayon et du fusain. Les aplats et les hachures de noir le disputent ainsi à des cases plus grises et donc plus en nuances qui font un excellent moyen de séparer le présent du passé comme l’éveil du songe – à moins que ce soit le contraire… Et si la composition proprement dite se veut un peu plus conventionnelle, on se plaît à penser que c’est avant tout pour mieux mettre en avant les aspects humains qui servent de clef de voute à cette histoire. Ceux-là, après tout, n’exigent aucun artifice, graphiques ou autres.

Pour cette raison, ce Testament… s’affirme comme le volume le plus abouti de la trilogie. Tant sur le plan narratif que pictural, ce qui s’exprimait jusqu’ici surtout comme une forme de double performance technique – et sans pour autant que ça l’empêche de convoyer des émotions fortes – dépasse à présent le stade de la simple aventure pour adopter les atours tout en subtilités de ce qui constitue un récit véritablement mémorable.

Planche intérieure de la BD Le Testament de Cromwell Stone

Chroniques de la série Cromwell Stone :

1. Cromwell Stone
2. Le Retour de Cromwell Stone
3. Le Testament de Cromwell Stone (le présent billet)

Le Testament de Cromwell Stone, Andreas, 2002-2004
Delcourt, collection Conquistador, septembre 2004
48 pages, env. 14 €, ISBN : 978-2-847-89101-0

Le Retour de Cromwell Stone

Couverture de la BD Le Retour de Cromwell StonePrès de vingt ans ont passé depuis que Stone a appris l’existence sur Terre d’entités immensément supérieures à l’Homme. Alors que le fils du capitaine Parthington, à présent guéri de son mutisme et devenu un richissime businessman, embarque sur un paquebot en partance pour l’Amérique, un autre passager bien loin de ce qu’il a l’air convoite un de ses bagages, prêt à tout pour obtenir ce qu’il contient. Un duel entre des forces cosmiques surhumaines va se livrer, dont l’issue pourrait bien changer la face du monde…

Comme nombre de suites, Le Retour de Cromwell Stone développe certains concepts et idées restés dans l’ombre jusqu’ici. Et sur ce point, l’auteur cité cette fois en début de volume, Harlan Ellison, fait penser que ce nouveau récit s’oriente plus vers la science-fiction que vers ce fantastique où on classe souvent l’œuvre de H. P. Lovecraft (1890-1937) qui transpirait tant du premier tome de la trilogie. Voilà pourquoi certains trouveront peut-être cette séquelle indigne de l’original : les révélations faites, en effaçant le mystère, ne laissent plus au lecteur la possibilité de combler les blancs de la narration par la magie de l’imagination. D’autres, au contraire, trouveront que ces explications valent leur pesant d’or, rien que parce qu’elles ancrent bien mieux l’univers de la trilogie dans le registre du réel, du concret, du plausible – et même si ces termes restent à manier avec précaution dès qu’il s’agit de science-fiction…

Planche intérieure de la BD Le Retour de Cromwell StoneQuoi qu’il en soit, les dix ans qui séparent la parution de cette suite de celle du volume précédent sont l’occasion de mesurer la maturation du talent d’Andreas, tant sur le plan du scénario que sur celui du dessin, et si le premier opus montrait déjà une maîtrise rare de ces sujets toujours ô combien délicats, celui-ci la confirme : c’est à la fois un régal pour les yeux comme pour l’esprit, avec ces compositions toujours plus sophistiquées couplées à un trait aussi incisif que possible, et un sens de la narration où le passé s’imbrique savamment avec le présent afin de fournir au lecteur toutes les informations nécessaires pour reconstituer les événements sans alourdir le récit lui-même. Ce spectacle tout à fait admirable ne laisse donc aucune possibilité de décrocher de la lecture, de sorte qu’on se retrouve très vite à la fin de cette cinquantaine de planches.

Il vaut d’ailleurs de mentionner que le titre du volume se montre assez trompeur car ce récit s’articule bien moins autour du personnage de Cromwell Stone que de celui de Phil Parthington qu’on apercevait à peine dans le premier tome ; cette passation de rôle, faute d’un meilleur terme, se confirmera dans les dernières planches et notamment l’ultime vignette de l’ouvrage. Le parti étonne malgré tout d’autant moins que la conclusion du volume précédent de la trilogie mettait un très net accent sur le personnage du fils Parthington, et cette suite s’avère surtout au final l’occasion de mesurer toute la tragédie de son existence en fin de compte assez artificielle.

Un tel revirement de genre, du fantastique orienté horreur du premier tome à la science-fiction mettant l’accent sur la dimension humaine d’un protagoniste au moins dans le second, se développera dans le troisième et dernier volume de la série jusqu’à atteindre un sommet que tout amateur d’histoires ne voudrait rater pour rien au monde…

Planche intérieure de la BD Le Retour de Cromwell Stone

Chroniques de la série Cromwell Stone :

1. Cromwell Stone
2. Le Retour de Cromwell Stone (le présent billet)
3. Le Testament de Cromwell Stone

Le Retour de Cromwell Stone, Andreas, 1993-1994
Delcourt, collection Conquistador, novembre 1994
48 pages, env. 14 €, ISBN : 978-2-840-55049-5

Cromwell Stone

Couverture de la dernière édition française de la BD Cromwell StoneDébut du siècle dernier. Depuis la disparition du navire Leviticus il y a 10 ans, les 12 survivants du drame se retrouvent le 20 décembre de chaque année. Mais tous les ans, l’un d’eux manque à l’appel et leur nombre se réduit toujours plus. À présent, ils ne sont plus que trois et c’est le cœur lourd que Houston Crown attend les deux autres rescapés chez lui ce soir-là. Mais quand arrive le premier d’entre eux, Cromwell Stone, épuisé après des jours d’une fuite éperdue, celui-ci commence à faire des révélations terrifiantes…

Ouvrir un récit original sur une citation de Howard P. Lovecraft (1890-1937) en exergue place d’entrée de jeu la barre assez haut : on ne se frotte pas à une telle personnalité sans risquer une comparaison pas toujours bienvenue. Car on trouve une différence de taille entre le travail d’Andreas et celui du Maître de Providence puisque ce dernier s’exprimait à travers une forme écrite pour le moins avare en descriptions alors que le premier fait de l’image son premier moyen d’expression… Toute la question consiste donc à savoir si le passage d’un média à l’autre se fait sans trop de heurts. J’estime pour ma part la transition réussie, notamment en raison d’une utilisation experte de la carte à gratter couplé à une maîtrise rare de la composition.

Planche intérieure de la BD Cromwell StoneQuant au récit lui-même, il s’articule autour des procédés narratifs classiques de ce genre de l’horreur mâtiné de fantastique et de science-fiction qu’on trouvait dans ces pulps d’il y a un siècle où, justement, Lovecraft publia certains de ses écrits. Commençant par une narration du personnage principal, Cromwell Stone, adressée à un second protagoniste, Houston Crown, l’histoire révèle peu à peu ses différents mystères qui s’emboiteront les uns dans les autres jusqu’à donner au lecteur une vision de cet univers où l’humanité se trouve confrontée à des êtres pour lesquels le plus intelligent des hommes ne signifie pas plus que le plus intelligent termite. Ou quelque chose comme ça.

Si le fond comme la forme se veulent donc plutôt classiques, c’est sans compter avec cette alchimie bien particulière qui lie ces deux aspects en un tout supérieur à la somme de ses composants : alors que se tapiront dans les zones noires des images ce que l’imagination du lecteur voudra bien y mettre – une technique graphique toujours redoutable, héritée de l’école hollandaise du clair-obscur –, des horreurs comparables surgiront d’autres zones d’ombre, plus subtiles à leur manière – celles du récit proprement dit.

Pour cette raison, Cromwell Stone s’avère vite bien moins simple qu’il en a l’air, même si dans le fond il s’agit avant tout d’une double performance technique. Mais une prouesse qui repose sur l’imagination et la créativité du lecteur en l’encourageant ainsi à participer au récit comme à sa représentation.

C’est bien là une marque propre aux œuvres d’exception.

Planche intérieure de la BD Cromwell Stone

Chroniques de la série Cromwell Stone :

1. Cromwell Stone (le présent billet)
2. Le Retour de Cromwell Stone
3. Le Testament de Cromwell Stone

Cromwell Stone, Andreas, 1982
Delcourt, collection Conquistador, octobre 1993
48 pages, env. 14 €, ISBN : 978-2-906-18748-1

Saving Human Being

Couverture de l'édition française du manhua Saving Human BeingUn futur proche. Dans la carcasse d’un avion-cargo en plein désert, un robot est réactivé par le pilote qui a survécu au crash. Celui-lui demande de partir trouver de l’eau pour le sauver. Mais quand la machine revient, bien des jours trop tard, l’humain est mort. Alors, le robot repart dans le désert où il finit par s’installer dans une oasis habitée par une jeune femme et sa petite fille. Son but ? Remplir sa mission, la dernière, celle que lui a confié le pilote de l’avion-cargo avant de mourir : sauver l’Homme…

Servir l’Homme : voilà, dans les grandes lignes, la problématique sous-jacente au thème du robot (1). D’ailleurs, si les magnats virent dans la révolution industrielle un moyen d’augmenter la production des biens et donc leurs bénéfices, les ingénieurs, de leur côté, et peut-être plus naïvement, y virent surtout un moyen de libérer l’Homme du travail (2). Dans le registre opposé, celui de l’avenir, ou du moins d’un futur possible, Iain M. Banks, avec son cycle de la Culture entamé en 1987, nous présente l’aboutissement de cette idée : une civilisation à l’échelle galactique où les technologies atteignent un tel niveau de sophistication que ses citoyens peuvent jouir sans aucune entrave d’une vie toute entière dédiée uniquement aux loisirs ; le trucage, ici, repose sur le concept de l’intelligence artificielle qui, à y regarder de près, se différencie assez peu de celui du robot tel que présenté ci-dessus (3).

Planche intérieure du manhua Saving Human BeingPour ce faire, il faut des règles. Ou plutôt des lois, et en l’occurrence des lois de la robotique. Sans celles-ci, en effet, rien ne pourrait assurer l’obéissance du robot. Pire, il pourrait même se révolter comme il le fit d’ailleurs durant des décennies sous les plumes successives de différents auteurs, jusqu’à ce qu’Isaac Asimov (1920-1992) entame son cycle des robots positroniques en 1940, en basant ses récits sur l’idée que les robots se trouvaient soumis à des programmes permettant de s’assurer leur obéissance – des lois, donc (4). La première de ces règles garantie la survie de l’homme en tant qu’individu, et la seconde la soumission du robot aux ordres du précédent. Les deux s’épaulent et se complètent, dans cet ordre précis et pas un autre : ôtez-en une seule, ou bien disposez-les différemment, et le robot redevient inutilisable.

Mais, au fond, « servir l’Homme » ne consiste-t-il pas à « sauver l’Homme » ? Et notamment en lui épargnant toutes ces tâches aussi ingrates que dangereuses telles que le travail à la chaîne dans un passé proche ou bien la mort sur un champ de bataille dans un avenir probablement encore assez éloigné, parmi d’autres exemples. Asimov, encore lui, dans son roman Les Robots et l’Empire (Robots and Empire ; 1985) préfigure d’un certain point de vue le cycle de la Culture de Banks évoqué plus haut en montrant comment un robot écope de la mission assurément surhumaine consistant à protéger l’Humanité toute entière, non contre un hypothétique ennemi venu d’ailleurs mais bel et bien d’elle-même (5).

Planche intérieure du manhua Saving Human BeingZhāng Xiǎoyǔ part ici d’un postulat comparable. Toute la différence avec l’œuvre d’Asimov tient dans ce que l’auteur, ici, est un artiste et qu’il fait donc passer la substance humaine avant les éléments techniques. Pour cette raison, Saving Human Being ne tente même pas de noyer le poisson et au lieu de ça adopte vite les accents de la poésie où la forme prend le pas sur le fond et où le discours – somme toute déjà vu quelque part – disparaît sous le récit lui-même, sous ce torrent d’émotions pures qui avec ses airs de fausse naïveté nous donne une leçon de vie à la force rare – et même si là aussi on a déjà vu ça quelque part, comme une évidence trop longtemps oubliée.

Quant à la forme artistique proprement dite, qui complimente très bien la narrative en dépit de quelques faiblesses ponctuelles concernant certains visages, elle témoigne d’une maîtrise technique et d’une sensibilité souvent surprenantes dans l’expression des mouvements. Ceux de la petite fille en particulier trouvent là un moyen assez inhabituel de faire passer le caractère et la personnalité de cet enfant qui jouera un rôle fondamental dans l’évolution du robot, dans ce regard empreint de curiosité et de questions que la machine pose sur cet Homme qu’elle doit sauver.

Pour sa dimension humaine qui rappelle celle de la fable, du discours éternel, de la poésie salvatrice, Saving Human Being compte parmi ces œuvres bien trop rares, ces perles crève-cœur à découvrir de toute urgence, ces morceaux de bravoure narrative extraordinaire. Mais aussi, cette courte bande qui se place dans la lignée de la science-fiction la plus classique – qu’elle prolonge avec brio – nous prouve que celle-ci peut malgré tout encore nous emmener jusqu’à des sommets d’émotions rarement atteints.

Planche intérieure du manhua Saving Human Being

(1) Gérard Klein, préface à Histoires de robots (Le Livre de poche, collection La Grande anthologie de la science-fiction n° 3764, 1974, ISBN : 2-253-00061-2) ; lire ce texte en ligne.

(2) l’idée fait d’ailleurs de plus en plus son chemin : outre des textes précurseurs tels que Le Droit à la paresse (1880) de P. Lafargue (Mille et une nuits, ISBN : 978-2-910-23330-3) ou bien Travailler, moi ? Jamais ! – L’Abolition du travail (The Abolition of Work, 1985) de B. Black (L’Insomniaque, ISBN : 978-2-915-69451-2), le mouvement altermondialiste Bizi ! propose de réduire le temps de travail de chacun à une heure par jour à peine.

(3) sur la faisabilité technique de l’intelligence artificielle, le lecteur curieux se penchera avec bonheur sur la préface de Gérard Klein au roman Excession (Le Livre de Poche, collection Science-Fiction n° 7241, ISBN : 2-253-07241-9), cinquième volume du cycle de la Culture déjà évoqué ici ; lire ce texte en ligne.

(4) on ignore encore à ce jour si ces « lois de la robotique » sont bien le fruit de l’imagination d’Asimov ou bien celle de son mentor de l’époque, John W. Campbell Jr. (1910-1971), par ailleurs rédacteur-en-chef du magazine Astounding Stories où le jeune Asimov, justement, publiait ses récits : les deux hommes se sont toujours renvoyée mutuellement la paternité de cette évolution majeure du thème des robots…

(5) bien sûr, une telle solution présente des accents assez nihilistes : confier à la machine nos problèmes fondamentaux consiste d’une certaine manière à nous en délester, bref à fuir nos responsabilités – j’ai déjà évoqué ce sujet dans ma chronique du jeu vidéo Armored Core 3 (From Software ; 2003).

Note :

Une mention en page deux indique que cet ouvrage est une adaptation du roman en langue chinoise Mission: Saving Human signé Liu Weijia.

Saving Human Being, Zhāng Xiǎoyǔ
Ankama Éditions, collection Kraken, avril 2011
85 pages, env. 15 €, ISBN : 978-2-359-10160-7

– le blog officiel de Zhāng Xiǎoyǔ (zh)
– d’autres avis : La Rubrique-à-Brac, B&O, Kroniks, SciFi-Universe, Prospéryne

Essential Man-Thing, vol.2

Couverture de l'édition américiane originale du comics Essential Man-Thing, vol.2Avec Captain America, Docteur Strange, Spider-Man et la Chose aux alentours, dur de se faire remarquer dans la bande – mais, à sa manière, l’Homme-Chose y parvient ! Citrusville, en Floride, doit faire face à la censure, aux préjugés, à la psychose et à des pirates fantômes dans des récits aussi pertinents aujourd’hui qu’ils l’étaient il y a plus de vingt ans ! Sorcellerie, hommes des neiges et sérums de super-soldat ! Des démons, de la démence et D’Spayre vous attendent – mais n’ayez pas peur parce-que sinon… (1)

Il arriva donc ce qui devait arriver. Le succès attisa les intérêts et ceux-ci se combinèrent à des techniques commerciales bien rodées pour assurer pérennité à une source de profits – mais de préférence en édulcorant l’intérêt primordial de l’œuvre. Si ce second et dernier volume de l’essentiel des récits de l’Homme-Chose conclue avec brio et originalité la première série menée haut la main par le très regretté Steve Gerber (1947-2008), elle enchaîne aussi avec la seconde, hélas bien moins inspirée en dépit de la présence d’auteurs de renom aux scénarios de ces épisodes ; on peut citer parmi ceux-là Michael Fleisher et surtout Chris Claremont, qui en dépit de leur immense talent respectif ne parvinrent pas vraiment à s’affranchir de l’influence de Gerber.

Ajoutées à cette quasi-absence d’émancipation les apparitions intempestives de personnages récurrents du bestiaire Marvel, tels que ceux évoqués dans la quatrième de couverture de l’ouvrage reproduite ci-dessus, et ceci afin d’attirer de nouveaux-venus à ces récits mettant en scène l’Homme-Chose qui, pourtant, ne partage que bien peu de choses avec les personnages susmentionnés, et c’est le bouquet : la platitude des scénarios se trouve d’autant plus tirée vers le bas qu’elle se combine à ce genre des super-héros qui s’avère dans l’écrasante majorité des cas incapable du réalisme le plus essentiel et par là même d’apparaître vraiment crédible (2). Bref, cette seconde série se perd bien loin de la sophistication de la précédente, celle-là même qui devint une œuvre-culte mais aussi, dit-on, influença beaucoup Neil Gaiman notamment.

À vrai dire, la seule raison qui pourrait pousser un lecteur un tant soit peu critique à acquérir ce second volume tient dans la conclusion de la première série amorcée dans le volume précédent et où l’immense talent de conteur de Gerber frise lors de ce dénouement ce qu’on pourrait peut-être appeler du génie – ou du moins quelque chose qui y ressemble…

(1) la traduction de ce quatrième de couverture est de votre serviteur.

(2) j’invite le lecteur curieux d’en savoir plus sur ma position à ce sujet en lisant ma chronique de Miracleman (Alan Moore, Alan Davis & Gary Leach ; 1982).

Note :

Si ce second et dernier volume d’Essential Man-Thing s’arrête avec la seconde série de l’Homme-Chose, les récits mettant en scène celui-ci se poursuivirent à travers une troisième puis une quatrième série, sans oublier les diverses apparitions du personnage dans les aventures de différents personnages de l’univers Marvel. À ma connaissance, seule la dernière de ces productions ultérieures connut une réédition sous forme de compilation comme c’est le cas pour ces deux Essential.

Essential Man-Thing, vol.2
Marvel Comics, août 2008
560 pages, env. 15 € (occasions seulement)

– chronique du tome précédent : Essential Man-Thing, vol.1
– la fiche du personnage sur le wiki de Marvel Universe (en)
– la fiche biographique du personnage sur Marvel World
– l’index des parutions sur Grand Comics Database (en)

Essential Man-Thing, vol.1

Couverture de l'édition américiane originale du comics Essential Man-Thing, vol.1Ted Sallis, chercheur commandité par l’armée pour retrouver la formule du super-soldat qui permit jadis de créer Captain America, est soudain trahi par les siens. Dans sa fuite à travers le marais des Everglades, il ne trouve rien de mieux que de s’injecter le produit pour se transformer en surhomme afin de mieux combattre ses poursuivants. Mais les effets de la substance se mêlent à des forces mystiques qui habitent le marécage depuis toujours et Ted Sallis devient alors plus et moins qu’un homme à la fois.

À présent fait de boue et de limon, couvert de racines et de mousse, son esprit éteint et amnésique, il se trouve réduit à l’état d’une chose humaine, incapable des raisonnements les plus simples et qui ne fonctionne plus que sur les émotions pures. Mais un Homme-Chose détenteur d’un pouvoir unique en son genre, celui d’une totale empathie qui lui permet de ressentir tout ce qui anime son entourage, y compris leurs sentiments les plus secrets, les plus vils.

Ainsi armé, il combattra bien des adversaires, des plus banals aux plus inattendus, et sur cette terre comme dans le ciel mais aussi en des temps et à travers des réalités que nul ne pourrait soupçonner…

Apparu pour la première fois dans le tout premier numéro de Savage Tales, publié en mai 1971, l’Homme-Chose résulte du travail commun de l’auteur Roy Thomas et du scénariste Gerry Conway ainsi que du dessinateur Gray Morrow (1934-2001) ; tous trois tâchaient là de mettre en forme un concept échafaudé par Stan Lee : celui d’un personnage qui a perdu sa sentience – terme anglais dont il n’existe aucun réel équivalent en français et qui se voit souvent remplacé par des termes aussi divers que « sensibilité », « conscience » ou « esprit », parmi d’autres… Ajouté à ceci sa perte d’intelligence et de mémoire et l’Homme-Chose s’affirme donc comme un personnage non seulement pour le moins inhabituel mais surtout comme un véritable défi pour un scénariste.

En effet, à peu près incapable d’agir de lui-même, et en dépit de ses capacités surhumaines, l’Homme-Chose ne peut que subir les événements, ou presque : ainsi affligé d’une passivité forcée, tout le problème consiste donc à en exploiter le potentiel pour narrer un récit qui mérite d’être lu, puisque – tous les auteurs sérieux vous le confirmeront – l’intérêt d’une histoire se trouve dans ses personnages – ce sont eux qui la font vivre. Il ne s’agit même plus à ce stade d’en faire un héros à proprement parler, on comprend bien que la mission relève de l’impossible pur et simple, et d’autant plus qu’il ne peut même pas parler, mais plus simplement l’utiliser comme un actant correct, soit un élément-moteur d’une intrigue, tout aussi secondaire soit-il…

Là entrent donc en jeu ses capacités – hors-normes – d’empathie. Car s’il n’éprouve pas de réelles émotions, ou alors si ténues qu’elles en deviennent anecdotiques, l’Homme-Chose s’avère néanmoins très sensible aux émotions des humains, et ses réactions dépendent le plus souvent du type d’émotions. Celles neutres ou bien positives le rendent curieux et il se contente le plus souvent d’observer à distance ; mais les émotions négatives comme la colère, la haine ou la peur peuvent déclencher chez lui des réactions d’une violence extrême : il ressent ces émotions-là comme d’autant plus douloureuses qu’elles se montrent intenses et fait donc tout son possible pour éteindre ces foyers de souffrance afin de se préserver – de la même manière que n’importe quel animal à vrai dire.

Ainsi l’Homme-Chose se trouve-t-il, le plus souvent malgré lui, mêlé à toutes sortes de problèmes ; non les siens, puisqu’il ne les ressent pas, et alors même qu’il en a des wagons, mais ceux des autres, qui s’aventurent parfois un peu trop près de ce marais des Everglades lui tenant lieu de demeure. Et voilà comment cette toute première série de l’Homme-Chose atteint le stade d’œuvre-culte : en évitant de se concentrer sur son personnage principal pour au contraire s’en servir afin d’illustrer les turpitudes de ceux qui gravitent autour de lui ; et à travers ces vies ainsi disséquées, Steve Gerber (1947-2008) nous propose quelques plongées pour le moins enfiévrées, si ce n’est franchement hallucinées au tréfonds de l’âme humaine.

Pour cette raison, le lecteur se verra bien inspiré de ne pas trop prêter attention au décorum de magie et de fantasy, voire parfois même d’heroic fantasy, qui occupe certains épisodes de cette série. Car malgré leurs dehors démontrant certes une imagination pour le moins hors du commun, et bien qu’il s’agisse de récits très appréciables, ils s’avèrent en fait assez vite plutôt banals sur le fond comme sur la forme. Mieux vaut se concentrer sur cette vue en coupe de l’Amérique profonde des années 70 que nous distille ces tableaux où les passions les plus obscures s’entremêlent en un kaléidoscope poignant (presque toujours), voire même dérangeant (très souvent) pour ce qu’ils nous rappellent sur nous-mêmes qu’on voudrait oublier et qui guette la moindre occasion de se déchaîner à nouveau.

Ce qui, somme toute, convient très bien au narrateur involontaire de ces contes modernes compte tenu de la part de tragique qu’il présente lui-même : si au contraire de ceux qu’il affronte le plus souvent, l’Homme-Chose porte son fardeau bien visible, à travers cette apparence monstrueuse et cet intellect éteint qui constituent la phase ultime des recherches qu’il menait alors qu’il était encore le biochimiste Ted Sallis, son tourment personnel n’en reste pas moins lui aussi tout à fait indépendant de sa volonté comme de ses actes – à l’instar de tous ceux ou presque dont le sort funeste croise le sien, il s’avère bien plus une victime de circonstances peu communes que l’expiateur de fautes passées.

Voilà pourquoi vous ne vous tromperez pas beaucoup en vous penchant sur cette compilation des premiers récits mettant en scène l’Homme-Chose : bien loin des moralisations aux accents chrétiens typiques de certaines productions américaines grand public de l’époque, cette série réussissait en son temps le pari de prétendre à une réelle sophistication littéraire.

Notes :

Bien que souvent comparé à Swamp Thing, personnage de DC Comics lui aussi transformé en une créature des marais suite à des recherches scientifiques qui ont mal tourné, l’Homme-Chose s’en distingue radicalement par son esprit éteint et son absence de sentience. On peut aussi rappeler que non seulement l’Homme-Chose précède Swamp Thing de deux mois à un an et demi selon quelle origine de ce dernier on considère mais aussi que le créateur de celui-ci, Lein Wein, était le colocataire d’un des créateurs du premier, Gerry Conway, quand il lança son titre amené à devenir culte ; enfin, Wein travailla lui aussi sur l’Homme-Chose, en écrivant le second des récits mettant en scène ce personnage qui parut dans Astonishing Tales n°12 en juin 1972.

Adaptations :

Sous la forme d’un téléfilm, réalisé par Brett Leonard et diffusé en 2005 sur Sci Fi Channel, dont Steve Gerber co-écrivit le scénario. Cette production présente des origines très différentes de celles du comics original pour l’Homme-Chose qui n’est plus ici la victime d’une expérience scientifique ratée mais un être surnaturel issu des légendes indiennes.

L’Homme-Chose apparaît dans un épisode de la série TV The Super Hero Squad Show ainsi que lors du final de Jill Valentine dans le jeu vidéo Marvel vs. Capcom 3: Fate of Two Worlds (Capcom ; 2011). Enfin, un des costumes du personnage de Nemesis dans le jeu vidéo Ultimate Marvel vs. Capcom 3 (Capcom ; 2011) se base sur l’Homme-Chose.

Essential Man-Thing, vol.1
Marvel Comics, décembre 2006
544 pages, env. 30 € (occasions seulement)

– chronique du tome suivant : Essential Man-Thing, vol.2
– la fiche du personnage sur le wiki de Marvel Universe (en)
– la fiche biographique du personnage sur Marvel World
– l’index des parutions sur Grand Comics Database (en)

Méka, tome 2nd

Couverture du second tome de la BD MekaCaporal Ninia Onoo, armée du Levant. Ma mission : contrer l’avancée des troupes ennemies dans la guerre qui nous oppose aux troupes du Couchant. Avant de devenir pilote, je dois faire un stage de mécano dans les entrailles d’un Méka. Mais contre des dégâts trop importants, je ne suis pas qualifiée. Maintenant que notre Méka est H.S, je dois improviser pour survivre en terrain hostile, tout en traînant mon empoté de pilote, le lieutenant Enrique Llamas. Mais il paraît que la survie est à ce prix…

En se plaçant en porte-à-faux du tome précédent, ce second volume illustre une méthode assez connue des graphistes comme des feuilletonistes : l’interversion. Pour simplifier, on prend les mêmes mais pour produire l’inverse de ce qu’on a fait précédemment. Après leur odyssée dans les entrailles de leur Méka, le lieutenant Llamas et le caporal Onoo se trouvent donc au-dehors de celui-ci : toujours naufragés en territoire a priori hostile mais à pieds… De sorte que, une fois de plus, le récit s’articule autour d’une certaine originalité, car on voit rarement les pilotes de mechas défendre leur peau à mains nues, ou presque nues – même si c’est arrivé plus souvent qu’on croit : inutile de citer des exemples.

Une nouvelle épreuve attend ces deux soldats survivants, pour laquelle ils ne reçurent aucune préparation. Ils doivent en effet faire face aux conséquences pour le moins sanglantes de leur bataille parmi les civils innocents. Le récit atteint là des sommets de l’horreur bien à la hauteur des classiques du genre, et en particulier ceux postérieurs à la série TV Invincible Super Man Zambot 3 (Yoshiyuki Tomino ; 1977) qui reste encore à ce jour un pilier du domaine. Pour nos deux soldats, ces tensions seront l’occasion de raviver leurs querelles, et à travers celles-ci d’en apprendre davantage sur eux-mêmes ou du moins sur leurs limites. Et le lecteur, de son côté, verra combien le rôle de juge peut s’avérer difficile, comme dans tout bon récit de real mecha.

Quant à la conclusion, si de même que le reste du récit elle parvient à s’éloigner des truismes du genre, elle emprunte néanmoins dans ce but des chemins certes inattendus mais qui donnent l’impression de sortir de la juridiction du domaine mecha en s’ouvrant à des éléments narratifs plus convenus bien qu’avec une qualité de scénario comparable.

Certains apprécieront le revirement, et d’autres moins. Mais une chose est sûre : Méka vaut bien le coup d’œil.

Planche intérieure du premier tome de la BD Méka

Méka, t.2 : Outside, Jean-David Morvan & Bengal
Delcourt, collection Neopolis, août 2005
48 pages, env. 14 €, ISBN : 978-2-847-89775-3

– chronique du tome précédent : Inside
– d’autres avis : Sceneario, Planète BD, BD Sélection

Méka, tome 1er

Couverture du premier tome de la BD MekaLieutenant Enrique Llamas, armée du levant. Ma mission : contrer l’avancée des troupes ennemies dans la guerre qui nous oppose aux troupes du couchant. Pour ce qui est de piloter un Méka, je suis le meilleur ! Mais je n’ai jamais été entraîné à évoluer à pied sur le champ de bataille… C’est pourtant ce que nous devons faire, moi et Ninia Onoo, ma mécano, maintenant que notre Méka est H.S. Pour la première fois de ma vie de soldat j’ai peur, mais il paraît que la survie est à ce prix…

Des mechas, on a déjà tout vu. Leur taille, immense. Leur allure, toujours très recherchée. Leurs armes, de destruction massive. Leur cockpit, à la sophistication inouïe. Leur hangar, à leur échelle… Il n’y a que leurs entrailles qu’on ne connaît pas, ou si peu : à peine aperçues dans l’adaptation en série TV du manga Getter Robo (Go Nagai & K. Ishikawa ; 1974) et dans sa suite Getter Robo G (1975), principal lieu de vie des protagonistes de l’anime Space Runaway Ideon (Yoshiyuki Tomino ; 1980), elles restent peu exploitées dans les diverses productions du genre qui leur préfèrent en général des scènes d’extérieur où l’action peut prendre toute son ampleur. C’est pourtant ce cadre-là que choisit Jean-David Morvan pour commencer le récit de Méka.

Planche intérieure du premier tome de la BD MékaUn choix qui, d’emblée, place donc Méka à part. Car, aussi surprenant que ça puisse paraître, le premier tome de cette courte série nous propose un huis clos. Et comme la plupart des narrations articulées autour d’un tel procédé, Inside fait la part belle aux tensions qui agitent les deux personnages piégés à l’intérieur de leur Méka tout en nous renseignant d’ailleurs en même temps sur les dimensions proprement colossales de cet engin. Au lieu de l’exploration d’un univers, l’album nous propose donc de découvrir deux protagonistes dont les caractères respectifs rendront leur cohabitation forcée pas toujours simple ; à leur décharge, on admettra volontiers que leur situation de naufragés en zone de guerre ne prête pas à rire pour commencer.

Et à cet effet, le dessinateur Bengal nous propose des graphismes pour le moins originaux. Évoquant plus des esquisses que des dessins à proprement parler, ils ne vont pas sans rappeler le Olivier Ledroit d’une époque, ce qui ne plaira pas forcément à tout le monde, mais ils confèrent aussi à l’action un dynamisme rare de même qu’un sens de la démesure qui exprime à merveille la force de frappe titanesque des Mékas. Il faut aussi souligner un mecha design tout en courbes qui rappelle assez Masamune Shirow et donne aux diverses machines une identité et une personnalité fortes ; y compris, et comme il se doit vu le thème de ce premier volume, aux entrailles du Méka abattu dont les mécanismes internes pourront se montrer… surprenants.

Planche intérieure du premier tome de la BD MékaInhabituel à bien des égards, ce premier tome de Méka s’affirme comme une surprise agréable qui laisse présager une conclusion hors norme : si les mechaphiles ne voudront pas passer à côté, les autres se verront bien inspirés d’y jeter un coup d’œil – ils y trouveront l’occasion de constater que les récits de mechas ne s’articulent pas toujours forcément autour des mêmes clichés.

Ce qu’on ne répétera jamais assez…

Méka, t.1 : Inside, Jean-David Morvan & Bengal
Delcourt, collection Neopolis, mai 2004
48 pages, env. 14 €, ISBN : 978-2-847-89296-3

– chronique du tome suivant : Outside
– d’autres avis : Sceneario, Planète BD, BD Sélection

UFO Robot Goldorak

Couverture de l'édition française du premier volume du manga UFO Robot GoldorakPar une nuit, Kouji Kabuto aperçoit une lueur dans le ciel, qui s’avère vite un vaisseau venu d’une autre planète. À son bord, un extraterrestre à l’allure humaine, du nom de Duke Fleed et qui fuit la flotte de l’empereur de Véga dont les forces viennent d’anéantir son monde. Recueilli par le professeur Umon, Fleed prend le prénom de Daisuke et prévient sa famille d’adoption que Véga va bientôt envahir la Terre : lui seul peut faire face à cette menace, car il possède la plus puissante machine de guerre de l’univers – le robot extraterrestre Grendizer.

La question qui s’impose, donc, est la suivante : pourquoi Fleed n’a-t-il pas affronté les forces de Véga alors qu’elles envahissaient son monde plutôt que de porter cette guerre sur Terre où elle ne concerne personne ? Et d’autant plus qu’on apprend dès les premières pages de ce manga combien ce conflit se montrera sanglant, ce à quoi Fleed doit bien s’attendre puisqu’il a eu l’occasion de voir son ennemi à l’œuvre : il est bien le seul survivant de sa dynastie après tout… Bref, le scénario ne constitue pas le point fort de ce récit qui, d’ailleurs, et au moins dans les grandes lignes, ne se démarque guère des productions précédentes de Go Nagai dans le genre mecha – qu’il s’agisse de Mazinger Z (1972) ou de Getter Robo (1974), pour citer les plus connues.

Planche intérieure du manga UFO Robot GoldorakÀ vrai dire, le seul point sur lequel ce titre diffère de ses prédécesseurs concerne l’origine du pilote du mecha vedette de ce récit, puisque c’est à ma connaissance la première fois que le héros qui défend la Terre de l’invasion des extraterrestres en est un lui aussi… Inutile de préciser que ça reste bien assez anecdotique pour ne même pas représenter ne fut-ce qu’une simple évolution du genre. Et si on en juge par le peu d’œuvres suivantes du domaine qui reprirent un tel concept de départ, on peut affirmer sans crainte de se tromper qu’il trouva assez peu d’écho tant chez les auteurs que chez leurs lecteurs, ce qui souligne d’autant plus ses limites. En fait, UFO Robot Goldorak s’inscrivait déjà à son époque dans un registre tout à fait mercantile.

Bien sûr, ceux d’entre nous qui découvrirent au moins en partie l’animation japonaise à travers l‘adaptation de cette œuvre en série TV lui réservent toujours une place particulière dans leurs cœurs. Pour cette raison, ils seront peut-être surpris par le niveau de violence tant physique que morale que présente ce manga original et qui, en fin de compte, lui donne une certaine personnalité ; d’un certain point de vue, en fait, ce niveau de maturité dans la facture, tant sur le plan narratif qu’artistique, s’affirme presque comme une seconde spécificité de ce titre en plus de celle que constitue l’origine de son protagoniste principal. Pour autant, il s’agit plus d’une maturité dans la représentation que dans l’idée, de sorte qu’on reste bien dans le shônen

Planche intérieure du manga UFO Robot GoldorakMais quiconque connaît ses classiques ne s’étonnera guère de voir que l’œuvre originale dépasse son adaptation, bien plus grand public de par son support même – c’est devenu un truisme. Voilà pourquoi les fans de la première heure voudront peut-être se pencher sur ce titre : pour y trouver quelque chose de nouveau, ou en tous cas d‘inattendu – ce qui reste assez différent. Mais ce sera aussi l’occasion de se rendre compte que l’univers de Goldorak s’avère en fait plus vaste que ce qu’on croit souvent : ici, en effet, Mazinger Z et Great Mazinger font quelques apparitions, impliquant ainsi que les principales séries de mecha de Go Nagai se situent toutes dans la même réalité fictive – fait qui en surprendra certainement plus d’un.

Ce qui souligne d’autant plus le parallèle, déjà évoqué dans ma chronique du manga de Mazinger Z évoquée plus haut, entre les « super robots » nippons et les super-héros américains qui, eux aussi, fréquentent tous ou presque un même continuum, en général du nom de leur éditeur respectif : pour certains lecteurs, c’est un gage de qualité ; pour d’autres, par contre, c’est la preuve d’une forme de répétitivité sur le plan narratif et d’une certaine simplicité sur le plan des idées que beaucoup trouvent vite assez lassantes…

Mais même si c’est le lot de toutes les productions populaires destinées à un public peu exigeant, ça ne les a jamais empêchées d’exister ni de perdurer – la preuve : plus de 30 ans après, Goldorak est toujours là.

Planche intérieure du manga UFO Robot Goldorak

UFO Robot Goldorak (UFO Robot Grendizer), Go Nagai & Gosaku Ota, 1975
Dynamic Vision, octobre 1998
4 tomes


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